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Una bellissima retrospettiva di de Kooning a Venezia suggerisce che l'Italia fu centrale nella sua arte successiva

Una bellissima retrospettiva di de Kooning a Venezia suggerisce che l'Italia fu centrale nella sua arte successiva

Willem de Kooning: 'L'Italia'
Galleria dell'Accademia di Venezia, Campo della Carità, Dorsoduro 1050, 30123 Venezia, Italia
15 settembre 2024 però

Willem de Kooning Uno dei pittori più famosi della New York School, Willem de Kooning non è un nome immediatamente associato all'Italia. Ancora un altro studio retrospettivo robusto e completo Dipartimento dell'educazione In Venice mira a proporre che l'Italia non è oggettiva ma piuttosto centrale nell'arte successiva di de Kooning. Con 75 opere che includono pittura, disegno e una forte selezione della sua scultura meno conosciuta, mira a dimostrare la profonda influenza dell'Italia sul lavoro dell'artista.

Aprirà alla stessa ora in questa stagione FinalmenteProbabilmente l'evento artistico più grande e prestigioso del mondo, questa bellissima retrospettiva è curata da Gary Carells e Mario Cotognato. Finalmente Padiglioni con l'impegno pioneristico di uno dei loro predecessori – De Kooning ha esposto al Padiglione Americano a Venezia il 27 Finalmente Nel 1954. È una meditazione su come un luogo fisico e uno stile di vita possano influenzare profondamente la produzione di un genio creativo.

Quando trascorse quattro mesi a Roma nel 1959, de Kooning era già un titano riconosciuto del mondo dell'arte. Nel 1969 torna a Roma per una mostra e scopre che un amico newyorkese, Herz Emmanuel, aveva lì una piccola fonderia. Su sua sollecitazione, l'artista ha deciso di provare la scultura in bronzo fuso. Lo spettacolo è incentrato sull'impatto di questi due viaggi e su come gli permettono di reinventarsi.

Willem de Kooning, 'Villa Borghese', 1960, olio su tela. 80×70. Museo Guggenheim Bilbao, Copyright 2024 Fondazione Willem de Kooning, SIAE

Pioniere dell'espressionismo astratto, de Kooning è sempre stato in bilico tra paesaggio e figura, rappresentazione e gioco gestuale astratto. Ritornato nell'Italia soleggiata, trovò un felice mezzo e, ovviamente, una fonte inesauribile di arte e architettura su cui riflettere.

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L’Italia aggiunge un importante contrappunto a questa inquieta spola avanti e indietro. Ci sono le sue “Rome in bianco e nero”, prodotte nella capitale nel 1959, che catturano l'energia della scena artistica rumena locale, che comprendeva un altro espatriato di New York, Cy Twombly. Nel puro bianco e nero, puoi sentire l'eccitazione pulsare in ciascuno mentre trasforma la sua percezione dell'ambiente circostante in pure masse gestuali ed esplosioni.

Insieme a “Roma” ci sono tre “Paesaggi pastorali” come “Villa Borges” che alludono all'infusione di colore e luce solare nella sua precedente e più audace astrazione cromatica. Questi lavori successivi contrastano con i suoi precedenti “Paesaggi astratti di Parkway,È stato ispirato dal suo viaggio da Manhattan a Long Island. Il progresso è chiaro.

Può essere letta più come una continua e profonda tensione tra la formazione europea e profondamente classica di de Kooning e il suo amore per la libertà audace e sperimentale di New York. Con il ritorno sia della figura che del paesaggio a intervalli ritmici, si avverte la sua costante lotta tra figurativo e rappresentativo con l'astrazione e il gesto.

Willem de Kooning Urla di bambini dai gabbiani (Senza titolo XX), 1975 Olio su tela 77 x 88 pollici (195,6 x 223,5 cm) Glenstone Museum, Potomac, Maryland © 2024 The Willem de Kooning Foundation, SIAE
Willem de Kooning, 'Screams of Children Come from Seagulls (Untitled XX),' 1975, olio su tela, 77″ x 88″. Glenstone Museum, Potomac, Maryland, Copyright 2024 Fondazione Willem de Kooning, SIAE

“Cercava sempre di 'uscire'”, spiega il curatore Gary Currels. “De Kooning non era mai soddisfatto, e lo si può vedere nei suoi sforzi di disegno, spesso eseguiti con gli occhi chiusi. Arrivava sempre a qualcosa al centro del progetto. il gesto, la figura. Non ha mai fatto nulla di 'facile'.

Le cose si aprirono davvero negli anni ’70. È un'intera era di applicazioni “bagnato su bagnato”, eseguite con tale fretta e disinvoltura che sembra che sia stato dipinto poche ore fa. François Xavier St. Pierre, un pittore nordamericano emigrato a Venezia, mi ha fatto notare durante la nostra passeggiata: “Probabilmente è perché usava olio di cartamo nei suoi dipinti. Il tempo di asciugatura è molto lungo e può davvero apprezzare questo processo a lungo termine. Questa è la cappa e spada di de Kooning, maestro all'apice della sua lunga carriera che esprime appieno le sue potenzialità dialogando con il colore e la forma.

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L'applicazione è volutamente goffa in alcuni punti, con manici di scopa di de Kooning o spazzole inadatte montate su lunghi bastoncini che aumentano la possibilità di felici incidenti. Sembra davvero uno di quei “bambini che gridano dai gabbiani”. Un argomento coerente che solo un italiano può veramente comprendere.

Come sempre, de Kooning distende il più possibile la sua languida gestualità, flirtando con spudorata eleganza, contrastando in particolare la caratteristica rosa salmone con il blu acqua. I colori senza tempo dell'Italia avvolgono senza sforzo un senso di ariosità, spazio e luce.

La cosa più affascinante, tuttavia, sono le sculture, che hanno occupato parte dello spazio nelle recenti retrospettive ma non hanno ricevuto tutto il dovuto. Sono espressioni tridimensionali di ciò che ha cercato di mettere nella pittura da quando la sua precedente serie “Girl” ha scandalizzato ed elettrizzato il mondo dell'arte.

Partendo dall'argilla e infine versando nel bronzo, negozia sia il peso metaforico che i rischi della chiarezza con la sua consueta agilità muscolare, anche se senza violenta terrosità. Questo tentativo di andare al fondo del gesto e della metafora trova ulteriore eco nei suoi disegni, spesso vortici geroglifici sciolti che portano i semi di elementi figurativi e fisici: un seno qui, un arto piegato là.

Tutto giunge a una conclusione tranquilla, tuttavia, nella stanza finale, dove le superfici selvagge e vorticose si trasformano in tranquille macchie di colore sospese nello spazio. Dell'ultimo decennio della sua pittura si parla delle sperimentazioni dell'anno precedente e dell'influenza della pittura italiana. Tornato in Italia, guardando gli infiniti soffitti del Tiepolo, del Tintoretto e del Veronese, sembra aver assecondato la propria fascinazione per la figura fluttuante nello spazio.

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Come ha detto de Kooning della sua esperienza di vedere l'arte nelle chiese italiane, “ricordo tutto semisospeso o proiettato nello spazio. I dipinti sono perfetti da qualsiasi angolazione tu voglia guardarli. L'intero segreto è liberarsi dalla gravità.